RGBfoto

ISO vs OBJETIVO LUMINOSO.

2012-03-02T13:52:00.000+01:00

La tecnología siempre avanza, seamos o no testigos nosotros en nuestra vida diaria. En concreto, dentro de la fotografía, la tecnología juega un papel fundamental en el flujo comercial de material que pasa de nuevo a viejo y de viejo a obsoleto con una velocidad pasmosa. No obstante, no ese el tema que quiero tratar en esta ocasión aunque sin duda no dejaré aparcado pues me parece sumamente interesante.

Como he dicho, la tecnología ha servido al marketing dentro del mundo de la fotografía tanto o más que las propias novedades o prestaciones que, no nos engañemos, no siempre incorporaban los productos. Con la llegada de nuevas cámaras el marketing de la tecnología parece que se nos eche encima y en muchos casos ocupa un lugar equivocado.

Llegado a este punto os cuento el tweet que ha motivado este post. Sí, habéis leído bien, un tweet. Bien, el caso es que tras la presentación de la Canon EOS 5D Mark III uno de mis contactos en Twitter ha mencionado que "Con los ISOS que trabajan las nuevas cámaras, ya no necesitamos objetivos tan luminosos y ultracaros". Quiero dejarlo constar textualmente pues no sé en realidad qué ha querido decir exactamente con su afirmación, ya que 160 caracteres son tan limitados que muchas veces no puedes expresarte como quisieras.

No obstante, me ha pensar en algo relacionado precisamente con lo que comenta. En mi opinión, es cierto que la tecnología aplicada a la fotografía está haciendo que se puedan utilizar ISOS cada vez más altos con cada vez mejores resultados, pero yo no extrapolaría esa opción para justificar el echo de que objetivos menos luminosos -y caros, cierto es- ya no sean tan necesarios.

Concreto un poco más. Es cierto que el ISO de las nuevas cámaras ofrece más rango dimámico, mejor representación del color, mejor capacidad para captar detalle fino, menor ruido... mayor calidad en general. Pero no es oro todo lo que reluce. Aunque nos vendan una cámara con una escala ISO que llegue hasta los 80.000 si quieren, la realidad es que a partir de cierta cifra no tan extraordinaria dicho ISO ya no es real sino forzado, por lo que ya no es nada que no podamos hacer en el procesado posterior.

Por otro lado, los objetivos con grandes aperturas de diafragma son muy útiles por la gran luminosidad, que nos permiten ventajas tales como reducir el ISO, lo cual siempre es positivo, y reducir el tiempo de obturación para evitar trepidaciones o congelar movimientos. Pero no siempre se puede utilizar el comodín de objetivo muy luminosos para salvar cualquier situación pues contamos con el handicap de la profundidad de campo. La profundidad de campo producida por un 1:1.4 muy probablemente arruinará la imagen si sólo hemos seleccionado esa apertura por la luz extra y no por el escaso espacio que permanecerá en foco.

Si bien es cierto que también depende de más factores como la distancia entre el objeto y el plano del sensor, la distancia entre los objetos de la composición encuadrada, etc. una escena con un diafragma por debajo de 1:4 comienza a perder los motivos situados tres el punto de foco con cierta rapidez. Es por esto por lo que yo no soy de la opinión que un objetivo luminoso te ayuda para aquellas situaciones en que necesitas más luz sino en que quieres reducir la profundidad de campo.

Pongo un ejemplo del caso para que pueda entenderse mejor. Estamos celebrando la Nochevieja con toda la familia y como han venido hasta los tíos del pueblo tenemos que utilizar una gran mesa alargada. Llegado el momento de la foto, y como tiene que salir todo el mundo, decidimos encuadrar en vertical y componer la mesa a lo largo en profundidad porque si no no hay manera. Bien, es de noche, estamos en interior y con las tres bombillas de una lámpara que son capaces de hacernos ver el cochinillo de la cena a nosotros pero no a la cámara. Además se han descorchado alguna botella de vino de más y la gente está tan animada que es incapaz de estarse quieta para una foto, de modo que la velocidad no puede ser excesivamente lenta. Si utilizo el flash la diferencia de exposición entre los de la primera fila y los de la última arruina la foto; si subo el ISO el ruido y la falta de detalle fino en una foto con tanta gente arruina la foto; ahora bien, si abro el diafragma soluciono los dos problemas anteriores, pero, amigo mío, obtendré una bonita imagen de los mimenbros de la primera fila mientras que los del fondo se habrán perdido para siempre en el olvido de la Nochevieja de 1982.

Sin duda no es el mejor ejemplo, lo sé, pero podéis cambiar la Nochevieja por esa boda que te han pagado por cubrir y la mesa del cochinillo por la entrada de la novia al fondo de la iglesia mientras el novio la espera en el altar. La situación ya no es tan descabellada.

Para terminar, simplemente mencionar que esto es una opinión personal. La fotografía no es tanto una ciencia como muchas veces nos empeñamos que sea y contamos con ciertas herramientas, las que sean, que tenemos y debemos saber utilizarlas lo mejor posible por nosotros mismos. Siempre hay que elegir y casi siempre tenemos que sacrificar algo.
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Remi Ochlik

2012-02-23T11:52:00.003+01:00

Hoy os vamos a hablar de Remi Ochlik, uno de los fotoperiodistas muertos ayer en Siria y al que muchos seguramente no conocíamos, a pesar de haber ganado un World Press Photo con la cobertura que realizó en Libia.

Ochlik era francés y desde 2004 ha cubierto Haití, la Guerra de la República del Congo en 2008, la epidemia de cólera y las elecciones de Haití, las revoluciones de Egipto y Turquía y por sorpre sa, Libia. Ahora se había trasladado a Siria a pesar de la advertencia de la revista en la que trabajaba, Paris Match.

Además en el 2005 fundó IP3 PRESS, su propia agencia para cubrir noticias en París y conflictos alrededor de todo el mundo, cuya galería de su web está llena.

Si tenéis curiosidad, os dejamos la web de IP3 PRESS, su página personal y la galería con el trabajo que ganó el World Press Photo.

Lamentablemente, Ochlik se suma a la lista de fotoperiodistas que han fallecido cubriendo guerras a lo largo de toda la historia.

PLANTILLA PARA ESQUEMAS DE ILUMINACIÓN ONLINE.

2012-02-16T02:53:00.000+01:00

Hace poco os traje un útil comparador de elementos de iluminación y hoy, siguiendo la temática, os presento algo que quizá alguno de vosotros ya conozcáis, aunque espero que os sea de utilidad: un organigrama de esquemas de iluminación online.

Se trata de una plantilla para esquemas de iluminación y cuenta con multitud de elementos que pueden utilizarse, tales como diversos fondos, cámaras y sujetos; fuentes de luz, como focos, flashes, beauty dish o bombillas, con sus accesorios incluidos; modificadores de luz, ya sean paraguas o ventanas y tengan estas grids, geles, etc.; reflectores y difusores... En fin, una gran número de opciones para diseñar o registrar aquellos esquemas de iluminación que hayamos utilizado o queramos utilizar. Se echa en falta, eso sí, algún elemento indicador, como flechas, así como para incluir notas y aclaraciones sobre potencia, distancia, accesorios... Existe una versión en formato PSD circulando por Internet que sí incluye estas opciones pero, en este caso, tendremos que conformarnos con hacerlas a manos.

Su funcionamiento es muy simple. Basta con pinchar sobre el elemento que queramos incluir para que aparezca en el esquema. Al pasar el ratón por encima se harán visibles sus opciones, que son mover, girar en sentido antihorario, girar en sentido horario, cambiar el nivel de capa del elemento, duplicar el elemento y eliminarlo. Por último, una vez creado el esquema, este se puede descargar en formato .png o .jpg e incluso enlazarlo directamente por medio de una url.

Si no lo conocías o andabas buscando una forma de guardar/crear tus esquemas, aquí lo tienes...

Lugares para inspirarse

2012-02-10T20:22:00.006+01:00

No voy a hablar de paisajes ni ciudades que nos pueden inspirar para sacar fotografías, sino de aquellas páginas web que en un momento dado de baja inspiración podemos acudir para bucear en ellas durante horas y seguramente acabaremos encontrando algo que estemos buscando o incluso nos venga de sorpresa una idea.

Para empezar, DeviantArt, bastante conocida por la cantidad de usuarios, en su mayoría ilustradores o retocadores, que suben sus trabajos o el resultado de su hobby. Sin embargo, también tiene fotografía, y no sólo es recomendable darse un paseo por esa categoría sino por todas las posibles, ya que epor norma general abunda la calidad y quién sabe, hasta podríamos acabar encontrando alguien con quien colaborar.

Flickr, muy usada por todos los aficionados a la fotografía, se dediquen a ello de manera profesional o no. Ha ido decayendo por su uso más de red social y peloteo que por el reconocimiento de las buenas fotografías. De todas maneras podemos dejarnos caer por galerías al azar o buscar por etiquetas y ver los resultados que nos devuelven, a veces hay sorpresas, y de las buenas.

500px, sucesora de Flickr, como es todavía menos conocida que ésta, mantiene un alto nivel de trabajos fotográficos en sus galerías. Podemos elegir ver por la elección de los editores de la web, mlas más populares o por temáticas.

Abduzeedo, aunque en su mayoría es de diseño gráfico y tutorial, ocasionalmente incluyen galerías fotográficas por temática o por autor. Suelen estar ligados al retoque o diseño, por lo que suelen ser trabajos vistosos.

500photographers es un blog en el que cada día hablan de un fotógrafo, así que podemos ver todo tipo de fotografías y además, aprender un poco más de historia de la fotografía ya de paso.

Fashiongonerogue, específicamente de fotografía de moda, muestra editoriales, campañas publicitarias y cualquier fotografía relacionada con este campo. Aparte de aprender y educar al ojo si queremos dedicarnos a este ámbito, podremos estar al día de lo que se hace internacionalmente.

Son pocos sitios y puede que los primeros los visitéis o los uséis, pero si os interesa, se puede hacer una segunda parte o incluso podéis sugerir vosotros webs a las que acudís cuando la musa os abandona o buscáis ideas que llevar a cabo como reto.

COMPARADOR DE ELEMENTOS DE ILUMINACIÓN.

2012-02-02T02:52:00.002+01:00

A todos nos habrá pasado alguna vez que, decididos a comprar algún elemento de iluminación, no hemos tenido la oportunidad -lógica por otro lado- de probarlo detenidamente para comprobar si es lo que en realidad queremos o necesitamos. No es lo mismo un nido de abeja que un snoot, o un paraguas blanco de transición que una ventana, es importante conocer qué efecto va a tener sobre aquello que queramos iluminar. En primer lugar, para obtener los resultados deseados, por supuesto, y en segundo lugar para no realizar una compra inútil que termine con aquello tirado en cualquier rincón.

Evidentemente, tampoco siempre tenemos la posibilidad de probar con antelación a la compra, y no siempre conocemos a alguien que lo tenga a quien acercarnos, de modo que hay que conformarse con lo que podamos encontrar en referencias o, por ejemplo y quizá más efectivo, imágenes. En la red, concretamente en la web de una importante marca de iluminación, podemos encontrar una comparativa online de algunos elementos de iluminación. No están todos los que nos gustarían pero sí al menos los más comunes y seguro que nos sirve para hacernos una idea clara y rápida de lo que se consigue con cada uno de ellos.

Tenéis la comparativa aquí...

Los fotógrafos de Magnum te aconsejan

2012-01-26T12:00:00.001+01:00

Unos 35 fotógrafos de Magnum aconsejan a futuros fotógrafos a través del blog de la propia agencia. Además, se puede descargar en PDF para guardarlo y releerlo cuando queramos, pero os vamos a poner algunos de los consejos que estos profesionales hacen.

Por ejemplo, Abbas, a la pregunta "¿Qué consejo daría a los jóvenes fotógrafos?", responde: Obtener un buen par de zapatos... y enamorarse.

Alec Soth comentaba:

Probar de todo. Fotoperiodismo, moda, retratos, desnudos, lo que sea. No se sabe qué tipo de fotógrafo se es hasta que lo pruebas. Durante las vacaciones de verano (en la universidad) trabajé para un fotógrafo de mesa. Durante todo el día fotografiábamos calcetines y escuchábamos la radio cristiana. Ese verano aprendí que no era un fotógrafo de estudio, ni un cristiano. Un año trabajé para una cadena de periódicos suburbanos pequeños y me sorprendí al saber que me gustaba la fotografía por encargo. La diversión es importante. Debería gustarte el proceso y el sujeto. Si estás aburrido o insatisfecho con su objeto se mostrará en las fotos. Si en el fondo de su corazón desea tomar fotos de gatitos, tome fotos de gatitos.

Bruce Gilden:

Mi consejo: ¡Fotografía quién eres!

Carl De Keyzer:

Dale todo lo que tienes por lo menos 5 años y luego decide si usted tienes lo que necesitas. Demasiados grandes talentos renuncian al principio, el gran agujero negro se avecina después de años de la cómoda academia o la universidad, y es el asesino número uno de los futuros talentos.

David Hurn:

No te conviertas en un fotógrafo a menos que sea lo que quieres hacer. No puede ser la opción más fácil. Si te conviertes en fotógrafo, vas caminar muchísimo, así que compra unos buenos zapatos.

Elliott Erwitt:

Aprender el oficio (que no es muy difícil). Estudiar cuidadosamente el trabajo de otros fotógrafos y pintores clásicos. Mira y aprende de las películas. Ver dónde puedes encajar como un fotógrafo "comercial". Comercial: es decir, trabajar para otros y entregar un producto demandado. Pero sobre todo mantener su fotografía personal como su afición por separado. Si eres muy bueno y diligente, dará sus frutos.

Cada opinión es diferente, desde luego porque son fotógrafos distintos, pero muchos coinciden en estudiar, observar y aprender de otras fotografías, el cine, en que hay que tener paciencia y tomar muchas fotografías hasta ver dónde uno encaja. Y sobre todo, lanzarse sin miedo porque todo llega, y más con buenas ideas, perseverancia y siendo nosotros mismos.

Ellos ven que el panorama actual no se parece a cuando empezaron, pero aún así, consideran que si uno trabaja lo suficiente, la recompensa llega. Es bastante interesante tener los consejos a mano para cuando uno se desanime, ver que todo es posible. Los fotógrafos de Magnum lo dicen, por algo será.

Si queréis ver el resto de las opiniones, tenéis el PDF

EFECTO ORTON DIGITAL...

2012-01-19T12:00:00.003+01:00

Hace un par de semanas os hablé del efecto Orton que el fotógrafo de apellido homónimo había configurado como su técnica personal para la fotografía de naturaleza y paisaje. Especifiqué en aquel momento la técnica para llevarla a cabo en su formato original fílmico en laboratorio.

Bien, pues, como los tiempos cambian y ahora nos rodeamos de tecnología, no puedo por menos que mostraros el proceso para llevar a cabo el efecto Orton en nuestras fotos digitales. Es, si cabe, aún más sencillo que el sandwich de negativos.

Lo primero y más lógico es abrir Photoshop y, lo segundo, más lógico aún si cabe, es abrir la imagen sobre la que realizaremos el efecto. Una vez echo esto aplicaremos la imagen con un modo de fusión tramado (Imagen > Aplicar imagen - Fusión: Trama). La imagen quedará más brillante y duplicaremos la capa. Añadimos a la nueva capa un desenfoque Gaussiano bastante elevado (Filtro > desenfoque > desenfoque Gaussiano - +/-20px) para luego modificar el modo de fusión de la capa a 'Multiplicar'. En este momento podremos variar la influencia del desenfoque variando la opacidad de la capa o retomando pasos en la 'Historia' y aplicando menos cantidad de píxeles. Cuando estemos satisfechos simplemente combinamos las capas y tendremos nuestra imagen con efecto Orton terminada.

Fácil, ¿verdad? Lo es. De todos modos, por si alguno de vosotros no tiene control suficiente de Photoshop o es algo vaguete, os dejo una acción que hará todo el trabajo por vosotros.

Descargar acción 'Efecto Orton'...
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Eve Arnold

2012-01-12T12:00:00.000+01:00

Hablamos de Eve Arnold porque ha fallecido recientemente, y es posible que a raíz de este hecho mucha gente la haya conocido.

Arnold perteneció a la Agencia Magnum desde 1951 y en Estados Unidos es conocida por sus retratos de Marlene Dietrich y Marilyn Monroe en un descanso del trabajo. Son fotografías que tomó sin previo aviso y las que se hicieron más famosas, aunque también inmortalizó a Joan Crawford, Clark Gable, James Cagney, Paul Newman, Elizabeth Taylor, Jacqueline Kennedy, Margaret Thatcher, Malcolm X, por nombrar algunos.

También realizó reportajes en Afganistán, Sudáfrica, China, Unión Soviética... centrándose en los aspectos sociales.

Después de 99 años de vida y la mitad dedicados a la fotografía, se marcha con premios, exposiciones y un reconocimiento que a unos les sabrá a poco, pero lo importante es que nos deja una galería extensa de su obra para disfrutar.

Podéis ver su biografía y algunas de sus fotografías en la web de Magnum

EFECTO ORTON.

2012-01-05T12:00:00.000+01:00

Michael Orton, gran fotógrafo de paisaje y autor de Photographing Creative Landscapes, es el responsable de esta técnica tan ampliamente conocida como mal utilizada. He llegado a leer en foros y comentarios de Internet desde que es una técnica muy usada en retrato para suavizar la piel hasta que se trata de una versión del -mal llamado- HDR. Nada más lejos de la realidad.

El señor Orton es de sobra conocido por el estilo de sus fotografías, esos paisajes oníricos, majestuosos y de ensueño. Eso es precisamente el efecto Orton: crear un ambiente de ensoñación, de misticismo. Es un efecto, sin duda, para un tipo concreto de fotografía. Es una técnica para enfatizar el paisaje y la fotografía de naturaleza y, si bien es cierto que se puede aplicar fuera de este aspecto en otros campos, es para eso para lo que el autor la concibió.

Fotografía de CaptPiper -Julie Falk-

El efecto, que, como he mencionado, no todo el mundo que habla de él sabe -por desgracia- en qué consiste, se basa en la fusión de dos fotogramas de película. Sí, de película, no de archivos RAW -ni mucho menos de jpg-, que la fotografía ya existía antes de la era digital. Pero, volviendo al tema, decía que el efecto se consigue al fusionar dos fotogramas, uno de ellos enfocado y el otro no, que darán como resultado la tercera y definitiva imagen. El proceso original a seguir paso a paso, aunque muy simple, sería el siguiente:

· Se sitúa la cámara en un trípode y se encuadra aquello que queramos fotografiar.
· Se utilizará una apertura pequeña de diafragma, f/22 por ejemplo, con el fin de conseguir la mayor profundidad de campo.
· La medición debe aumentarse hasta +2EV.
· Se realiza la primera fotografía.
· Sin mover la cámara del trípode, obviamente, se modifica la apertura del diafragma hasta la más abierta posible y se desenfoca la imagen por completo.
· La medición debe aumentarse hasta +1EV.
· Se realiza la segunda fotografía.
· Una vez reveladas se superpone un fotograma sobre el otro, da igual el orden, para obtener una tercera imagen en la que ya se tendrá el efecto.

Como dije anteriormente, este es el modo original. No obstante, se puede utilizar alguna variación, como cambiar el f/22 por la distancia hiperfocal, ya que de este modo evitamos la difracción de los diafragmas muy cerrados y mantenemos mayor calidad de imagen y nitidez con una profundidad de campo idónea.

Sin embargo, no es posible utilizar una exposición múltiple en la propia cámara para no tener que realizar el sándwich posteriormente en el laboratorio. Recordemos que en ambas tomas hay que sobreexponer uno y dos pasos respectivamente, de modo que hacerlo sobre el mismo fotograma se traduce en añadir más luz a la luz, por lo que surgen las zonas quemadas y sin textura/información. El motivo de sobreexponer en la toma es salvar la pérdida de luz que se producirá en el posterior sandwich del montaje en el laboratorio.

Es una efecto francamente cautivador que otorga a los paisajes un aspecto inolvidable... Y sí, también se puede hacer con PS ^-^

Lo mejor del 2011

2011-12-29T13:04:00.005+01:00

Se acaba el 2011 y cómo no, siempre se suele hacer un repaso del año, en este caso, de las mejores imágenes.

Reuters hace su propio balance y entre las 100 imágenes destacadas, dentro del fotoperiodismo, podremos ver fenónemos naturales, revueltas, retratos... Podéis verlas con calma, y con su pie de texto, con los detalles de modelo de cámara, velocidad, ISO incluidos, en su web.

Otros que hacen repaso del año son Global Post, que eligen 50 imágenes destacadas referentes a las protestas que han tenido lugar en Estados Unidos, el cuerpo de Gadafi, las inundaciones de Tailandia, eventos como el NemaCom (Manga y Anime). Incluso algunas que han recorrido la red de arriba a abajo y se han hecho realmente famosas.

Podéis verlas aquí.

Podríamos seguir con las de The Globe and Mail, TIME o Ibtimes, por poner unos pocos ejemplos. También realizar nosotros mismos de nuestras galerías, bien online o bien fotografías que no hayamos enseñado todavía, una selección de nuestros mejores trabajos.

Elegir lo que consideramos que es lo mejor que hemos hecho en un año no deja de ser una forma de repasar los acontecimientos del año, en el caso del fotoperiodismo, o de ver lo que hemos mejorado. Hasta de intentar superarnos para el año que viene tomando el 2011 como referencia.

Cualquiera que sea la opción que elijais, Felices Fiestas y que entréis en el 2012 con la misma pasión por la fotografía que en el 2011, ya sea fotografiando o mirando el trabajo de los demás.

¡Nos vemos el año que viene!

INGE MORAT y ERWIN OLAF.

2011-12-22T12:00:00.000+01:00

En esta publicación os voy a presentar dos trabajos que, aunque parecidos, contienen matices importantes en su significación. Son dos series fotográficas distantes cronológicamente con un punto en común: la figuración de la 'personalidad' tras el anonimato de la máscara; la realidad tratando de esconderse tras un disfraz transparente.

Por un lado se encuentra la serie 'Fashion Visctims', realizada en 2002, de Erwin Olaf. Se trata de 9 fotografías en la que se representa el vacío de la sociedad atrapada en la imagen personal por medio de la estética de la moda. A través del desnudo se elimina cualquier contenido y la marca comercial e icónica que maneja el mercado eclipsa la individualidad de las personas ocultando su rostro y manteniéndolos en un segundo plano, en el anonimato.

Vía: Fashion Victims, de Erwin Olaf.

Por el otro lado, a finales de los años 50 Inge Morat llevó a cabo una serie de fotografías tras acudir a una cita con Saul Steinberg en la que este la recibió ataviado con una máscara de papel. La idea la cautivó y comenzó una serie de retratos en las que el contenido significativo de los individuos -su entorno, su personalidad, sus gustos, su posición social, etc.- se imbrica con la máscara que portan, de modo que el anonimato no es completo. Gracias a esto, pudiera parecer que se ven atrapados en cierto modo.

Vía: Magnum Photos.

Son dos realidades distintas pero iguales. Dos series que muestran un concepto similar con matices diferentes. Dos series de gran calidad que no pasan desapercibidas y que seguro nos sirven de conocimiento, apoyo e inspiración.
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El boicot de los fotógrafos

2011-12-15T16:28:00.000+01:00

Hace unos meses, la cantante Janet Jackson iba a dar un concierto en Oslo, Noruega, pero... ¿quién se enteró? Posiblemente sólo los fans de Jackson, ya que la cantante quiso tener tanto control sobre las fotografías que se tomarían durante el concierto, que los fotógrafos decidieron no acudir y no cubrir el evento.

Todo fue resultado de un contrato que los managers y abogados de Janet Jackson querían que firmaran los medios de comunicación. Este contrato daba todos los derechos a la compañía de Jackson y además exigía la aprobación de la artista antes de su publicación. Otra de las cláusulas es que esas imágenes sólo podrían ilustrar la noticia del concierto de Oslo y no usarla para otras noticias relacionadas con ella.

Visto el panorama que se presentaba a los fotógrafos, todos los periodistas decidieron apoyarles y no ir al concierto. Solamente un medio escrito reseñó la actuación y explicó a los lectores por qué no había fotografías.

No es la primera vez que ocurre un hecho así, y tampoco son sorprendentes escuchar a los fotógrafos de conciertos quejarse de hechos así. Pero parece que ahora poco a poco está habiendo más voz para decir que no se trabaja gratis o que no se trabaja bajo condiciones impensables y en las que el fotógrafo sea el que salga perdiendo.

Seguramente más de uno pensará que ya era hora que el gremio se hiciera oir, y quién sabe si gracias a que noticias como ésta salgan en los periódicos, empiece una revolución laboral en la que no se abuse del trabajador.

Qué os parece, ¿estamos ante un cambio?

AVANCES Y ACCIDENTES FOTOGRÁFICOS.

2011-12-08T12:00:00.007+01:00

En sus inicios, la fotografía ha visto momentos de experimentación cuyos resultados han dejado secuelas, más o menos serias y más o menos graves, a los protagonistas que las vivieron. La química no era un conocimiento común en todos aquellos que optaban por mejorar los procesos para la captación de imágenes, procesos estos que con frecuencia resultaban de apasionados cuya preocupación esencial era lograr la mejora definitiva en la fijación de imágenes en soportes fotosensibles, lo que redundaba en un perjuicio propio casi asegurado. Los vapores producidos durante el revelado de los soportes resultaban increíblemente tóxicos y la propia manipulación de estos se convertía en una odisea debido a la alta volatilidad y características inflamables. Los problemas respiratorios y las quemaduras eran la rutina de aquellas personas. El magnesio que se utilizó para producir los primeros flashes por destello convirtió a los fotógrafos en sujetos claramente identificables debido a que sus investigaciones para adaptar la luz según se quemaba el químico les habían quemado completamente las cejas. Gracias, entre otras muchas cosas, a las penurias que estas personas decidieron asumir los procesos fotográficos mejoraron siguiendo un perfeccionamiento continuado.

Pero no todo queda ahí. Quiero mencionar en este artículo un avance en concreto dentro la captación de imágenes en los momentos en que eran necesarios varios minutos para conseguir fijar los soportes fotosensibles. La fotografía existía pero era muy limitada debido a este inconveniente y Charles Bennett puso su empeño y sus conocimientos para encontrar una solución. Este británico trabajó en la composición del soporte hasta conseguir una solución seca de gelatina de plata que, tras fijarse en un soporte común de la época, era capaz de reducir el tiempo de fijado de la imagen respecto al colodión a una décima parte. Era el año 1881 y Charles Bennett publicó su descubrimiento en la 'Scientific American' adjuntando una fotografía realizada por él mismo que demostraba la veracidad de sus palabras y la eficiencia de su composición. A este buen hombre no se le ocurrió mejor forma para demostrar la rapidez en la captación de su fórmula que fijar dinamita a la cabeza de una mula y unir la mecha con el disparador de la cámara, de tal modo que cuando la dinamita explotara se produciese la toma. El resultado fue el siguiente:

Aunque no se puede discutir la efectividad de la composición de Bennett en cuanto a fotografía se refiere, no podemos dejar de pensar que en vez de una mula podía haber usado igualmente casi cualquier otra cosa.
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El tiempo del fotógrafo

2011-12-01T12:00:00.001+01:00

Seguramente hayáis visto esta imagen:

Cómo la gente cree que un fotógrafo pasa su tiempo vs Cómo realmente pasa el fotógrafo su tiempo.

Esto me lleva a recordar esos momentos en los que todos hemos oído: Tengo un amigo que se ha comprado una cámara y hace fotos o premisas similares en determinados trabajos que luego no llegan a buen puerto.

Resulta curiosa la percepción que tiene la gente: tomar fotografías, estar de fiesta y viajando a localizaciones increibles.

Está claro que la realidad queda algo lejos, a no ser que seas un fotógrafo tan reconocido que tengas a alguien contratado para las tareas más pesadas y molestas o las enfocadas a la postproducción e impresión, que se llevan buena parte de las horas de un trabajo.

¿Por qué se tiene idealizada la profesión? ¿Desconocimiento? Seguramente, pero bueno, con este gráfico y nuestras experiencias puede que logremos enseñar a la gente lo que realmente significa ser fotógrafo.

ROBERT DOISNEAU, de Jean-Claude Gautrand, por Taschen.

2011-11-24T12:00:00.000+01:00

La editorial Taschen, de la mano de Jean-Claude Gautrand, se ha encargado de seleccionar, con mucho acierto, aproximadamente doscientas imágenes de quien es considerado por algunos “el fotógrafo parisino por excelencia”.

La obra está claramente enfocada hacia la visión vocacional de la fotografía de Doisneau, esa que lo llevó a recorrer incansablemente las calles de París, los suburbios de los que procedía y de los que nunca se alejó demasiado. Muestra ese trabajo voluntario, arraigado en su propia persona, cargado de sentimientos cotidianos y verdaderos.

Desde el mismo momento que André Vigneau lo acogió, Doisneau comenzó a absorber las corrientes vanguardistas que se le abrieron ante si, pero poco pudo hacer antes de que el servicio militar eclipsara su debut. A su regreso, la crisis económica lo lanzó a la industria, cuya regia disciplina y monotonía hicieron despertar, según sus propias palabras, su auténtica carrera como fotógrafo. En ella Doisneau se dedicará a vagar por las calles de los suburbios parisinos que lo habían visto crecer en busca de la realidad más pura, pero habría de toparse con un nuevo obstáculo. Esta vez se trató de la II Guerra Mundial. Fueron duros momentos que pusieron a prueba la visión de Doisneau que, no obstante, se alejó de mostrar los estragos del cruel conflicto para acercarse a la sentimentalidad de la vida durante la ocupación alemana en Francia.

Terminada la guerra, Doisneau volvió a gastar las calles con ese optimismo, que lo caracterizaba, humanista y poético. Ya en la década de los cincuenta “El beso del Hôtel de Ville”, incluido en un reportaje sobre los amantes en París, le valió el reconocimiento mundial y su expansión fuera de las fronteras francesas. Comenzó entonces la época dorada de Doisneau con su intervención en gran cantidad de exposiciones, reportajes, trabajos, colaboraciones en cine, etc. En estos años son numerosos los premios que recibe, las asociaciones en las que colabora, los libros que publica… Todo brilla a su alrededor pero Doisneau sigue vagando por sus calles de París, descubriendo ahora la vida nocturna que encierra.

La década de los noventa, sin embargo, no nace muy lúcida para el autor, que siente nostalgia de tiempos pasados. Ese sentimiento poético, romántico, que fue reflejo de su obra exenta a los contratos, su obra más libre, le hacía ver que todo lo que tanto amaba había cambiado. Se rodeó entonces de sus contemporáneos, que compartían su sentido del humor y filosofía, bajo la soledad que expresaban entonces sus imágenes.

La verdadera obra de Doisneau, aunque alejada de la espontaneidad, recoge ese ramillete de flores secas para los que el mercado bursátil no tiene tiempo y forma con ellos un pequeño teatro, aderezado de humor, con el que apaciguar el mundo que retrata. Nos muestra, en definitiva, una realidad que insinúa, con ese mismo humor encargado de disimular la crudeza, no exenta de nobleza y dignidad. Pero, sobre todo, la fusión cómplice entre Robert Doisneau y sus fotografías.

“París en un teatro en el que se paga asiento con el tiempo perdido. Y yo continúo esperando”.

Robert Doisneau, por Jean-Claude Gautrand, por Taschen...
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16.000 imágenes de fotografías callejeras

2011-11-17T12:00:00.000+01:00

El evento Street Photography Now ha tenido un año de vida, promovido por The Photographers Gallery, de Londres, y los comisarios Sophie Howarth y Stephen McLaren, autores del libro que lleva el mismo título.

Y este verano se ha centrado en la fotografía callejera, para lo cual organizaron un concurso cuyos premios ya se repartieron, pero lo llamativo es que el certamente alcanzó las 16.000 fotografías callejeras y han conseguido llegar a 300 miembros en la comunidad que se ha creado a raíz de este concurso.

La mecánica del proyecto/concurso tenía sus reglas. Cada semana, un fotógrafo callejero de prestigio daba un consejo o enunciaba una característica a tener en cuenta para hacer fotografía callejera y los participantes debían subir al grupo fotos realizadas o inspiradas según esas directrices.

Gracias a este éxito, se ha iniciado un segundo año sin necesidad de recurrir a dar premios para atraer a la gente, y por si tenéis curiosidad, tenéis la web disponible. Además las instrucciones siguen puestas, por si alguien se anima a realizar el proyecto por su cuenta.

La fotografía y la buena organización puede llegar a mover masas como se ha demostrado, solamente hay que saber hacer las cosas y no rendirse. Y quién sabe, puede que después de esto más de uno se anime a participar en el 2012 cuando abran la segunda convocatoria.

LA CÁMARA ESTENOPÉICA.

2011-11-10T12:00:00.002+01:00

Como vimos en el anterior artículo sobre la fotografía estenopéica, este método es rudimentario y tradicional pero no exento de una técnica sofisticada y precisa. A continuación trataré de exponer de forma clara el proceso de fabricación de una cámara estenopéica o pinhole y el por qué de cada paso.

En primer lugar necesitaremos el cuerpo de la cámara. Básicamente es una cámara obscura, un recipiente estanco a la luz y que no produzca reflexiones en su interior. Ese es el único requisito a tener en cuenta de modo que podemos elegir lo que más nos guste, desde una caja de zapatos o galletas hasta botes de mayor o menor tamaño e incluso podemos también fabricarlo nosotros mismos. Sólo tenemos que tener en cuenta pintarla de negro mate en su interior para evitar las mencionadas reflexiones. Como ya he mencionado lo fundamental es que sea estanco a la luz pero otro factor a tener en cuenta son las medidas ya que serán las que a posteriori determinarán la distancia focal. Al igual que en la fotografía tradicional -curioso nombre para referirse a ella cuando hablamos de algo más antiguo y más tradicional incluso- en la que la distancia focal es la medida existente entre el plano nodal del objetivo, donde se sitúa el diafragma, y el plano de la película o sensor, en la fotografía estenopéica se mantiene. De este modo, como no existen objetivos sino un estenopo que hace la función de diafragma y el plano de la película o sensor será el lado opuesto donde colocaremos el material fotosensible, la distancia focal será la medida entre estos dos puntos. Concretando, la distancia focal será la longitud de la caja y si esta distancia es corta el resultado será angular con amplio ángulo de visión mientras que si es larga será tele con un ángulo de visión más reducido.

Por otro lado, hemos hablado del estenopo, que hace la función de diafragma. Es correcto pero, al contrario que estos, no varía su diámetro sino que se mantiene fijo. Es precisamente el diámetro lo que optimizará la calidad de la imagen. Si bien la información más extendida indica que el agujero se realiza con un alfiler o aguja, podemos mejorar los resultados si aplicamos ciertos cálculos. En primer lugar debemos saber que el diámetro del estenopo proporcionará mayor o menor resolución. Esto es debido al tamaño del círculo de confusión, de modo que a mayor diámetro -del estenopo- menor resolución y a menor diámetro mayor resolución. No obstante, esto no quiere decir que debemos hacer el estenopo lo más pequeño posible ya que también nos encontramos con la difracción, que se acentúa según disminuye este. Finalmente, y para echar más leña al fuego, tenemos que introducir un tercer factor determinante en la ecuación, como es la distancia focal. Dado que la luz viaja, aunque en línea recta, por medio de ondas de mayor y menor longitud y frecuencia, su entrada a través de un diminuto agujero como es el estenopo no deja los mismo resultados 10cm por detrás que 50cm. Esta distancia, además, provocará una mayor o menor presencia de viñeteo debido a la dificultad de la luz en llegar a los puntos más alejados del centro del material fotosensible. Tenemos, en definitiva, que cuanto menor sea el estenopo mayor resolución tendremos, pero si no pasamos podríamos perderla por la difracción y la longitud focal. Para solucionarlo existe una fórmula que desarrolló József Petzval y que posteriormente afinó Lord Rayleigh.

Se trata de despejar la incógnita del diámetro del estenopo donde f es la distancia focal y λ es la longitud de onda. Estas consideraciones son importantes a la hora de realizar el estenopo, así como el material de fabricación que debe ser lo más fino posible y sus bordes pulidos para evitar rebabas es imperfecciones que potencien la difracción. En la mayoría de los casos basta con fijarlo con un trozo de cinta aislante que permita pegar y despegar para efectuar la exposición.

Finalmente, sólo resta calcular el tiempo de exposición para comenzar a divertirse. Este es el momento que más quebraderos de cabeza ocasiona y que, si no se tiene en cuenta con cierta precisión, puede echar por tierra todo el trabajo por falta de resultados. Para poder aplicar la exposición correcta es necesario conocer ciertos datos como el diafragma de la cámara. Para calcularlo sólo que hay que dividir la distancia focal entre el diámetro del estenopo. El resultado será bastante elevado y generalmente varía desde f/90 hasta f/200+. y es por esto que el tiempo de exposición variará también de varios segundos a minutos incluso. Ahora que ya sabemos el diafragma llega el momento de conocer el tiempo, para lo que podemos utilizar la "sunny/16 rule". Esta regla se utiliza para calcular el tiempo de exposición por interpolación de resultados. Se basa en que la exposición correcta para un día soleado a f/16 será igual a la sensibilidad ISO del material fotosensible que se utilice. Por ejemplo, un día soleado en que usemos una película de 100ISO la exposición correcta sería f/16 + 1/125. Para valores en distintas condiciones de luz basta con aumentar o disminuir el valor del diafragma en pasos completos. La tabla quedaría:

Condiciones de luz	Diafragma
Nieve/Arena	f/22
Soleado	f/16
Ligeramente cubierto	f/11
Nublado	f/8
Cielo cerrado	f/5.6
Amanecer/Anochecer	f/4

Ahora simplemente habría que interpolar estos resultados a nuestros datos conocidos, como son el diafragma y la sensibilidad del material fotosensible. Por último, a la hora de realizar la exposición hay que tener en cuenta la reciprocidad del material que utilicemos para la captura y variar los resultados según indique el fabricante. Este modo de trabajar es orientativo y puede ocasionar malos resultados en los primeros intentos pero es mucho más interesante, divertido y educador que utilizar un fotómetro externo, además de más gratificante al obtener buenos resultados.

Estas son las principales medidas a tener en cuenta para fabricar una cámara estenopéica simple pero que proporcione buenos resultados. La estética que tenga depende de cada uno, que puede customizarla a su gusto. También podéis ahorraros o, al menos, facilitaros una buena parte del proceso por medio de esta cámara estenopécia recortable lista para montar y utilizar con carretes de 35mm o estas dos aplicaciones para realizar todos los cálculos necesarios de diámetro de estenopo, distancia focal, ángulo de visión, tiempo de exposición, etc. Disponibles para pc y mac.
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Fotografía = algo malo

2011-11-03T12:00:00.001+01:00

Leyendo algunas noticias es la sensación que te quedas, que el fotógrafo o el aficionado a la fotografía que saca la cámara, o cualquier otro dispositivo que pueda realizar fotos, en realidad es alguien malvado dispuesto a cometer fechorías.

Y digo esto porque ha ocurrido algo bastante surrealista, concretamente en un centro comercial de Glasgow llamado Braehead, donde Chris White, un ciudadano británico, le hizo una foto a su hija de cuatro años subida a una moto de decoración -era el asiento de un puesto de helado-.

Después de hacer la foto un guardia de seguridad le dijo que tenía que borrar la foto porque era ilegal. El británico se negó y el guardia llamó a la policía, que cuando llegó le amenazó con requisarle el móvil basándose en el Acto de Prevención de Terrorismo, aunque no se lo llevarían si les proporcionaba su nombre, edad, lugar de nacimiento y empleo.

Finalmente el hombre cedió por no alargar más la situación, pero después tranquilamente explicó la situación en una página de Facebook llamada Boycot Braehead y la noticia corrió como la pólvora. No es de extrañar ya que dicha página tiene 22.000 seguidores.

Hasta en la BBC se hicieron eco del suceso, por lo que el centro comercial se disculpó y prometieron que cambiarían su política respecto a la fotografía.

La cuestión es: ¿es ilegal hacer fotos en un centro comercial? En España por ejemplo no está permitido, basándose en que es un sitio privado, que tiene dueño y normalmente no hay autorización para sacar nada. Pero si estás haciéndole una foto a tus hijos en una tarde de entretenimiento, llegar a este punto es bastante absurdo, porque no estás sacando ni el centro comercial ni siquiera las tiendas, por mucho que puedan salir de fondo.

De todas maneras en Inglaterra de todos es sabido que lo que está permitido y lo que no está permitido fotografiar ha traído mucha polémica y muchas discusiones tanto en la calle como en la red, así que esta exageración sólo viene a demostrar el grado de confusión que se tiene con fotografía = terrorismo / peligro.

FOTOGRAFÍA ESTENOPÉICA.

2011-10-27T12:00:00.001+02:00

La fotografía estenopéica puede considerarse como uno de los primeros logros de la fotografía tal y como la conocíamos antes de la era digital. Su base es conseguir plasmar imágenes con los mínimos medios posibles y el equipo más básico consiste en un cuerpo sellado a la luz con un agujero, del tamaño aproximado de un alfiler -de hay que también se la conozca como pinhole-, en cuyo interior se sitúa el material fotosensible -papel, aunque se sustituyó por carretes de 35mm en la mayoría de los casos- que recogerá la imagen.

Se trata de un proceso sumamente rudimentario dentro de la fotografía y que aún en la actual época digital mueve una importante cantidad de aficionados. Las imágenes resultantes tienen una profundidad de campo prácticamente infinita debido al diámetro del estenopo, que es como se denomina al orificio por el que entra la luz, y aunque tienen una buena definición no consiguen una gran nitidez debido a la ausencia de lentes que optimicen la entrada de luz y su llegada hasta el material fotosensible. Además de esto, y por el mismo motivo, es frecuente encontrar viñeteo en las esquinas de la fotografía, que se obtiene en negativo tras el revelado, por supuesto.

Para invertir el negativo es necesario recurrir al positivado, en este caso por contacto. El modo de proceder es tan rústico como el de tomar la propia fotografía. Se necesitan dos placas de cristal, lo más finas posibles, entre las que colocaremos el fotograma en negativo y el papel limpio donde obtendremos la copia en positivo. Fijamos este sandwich sin tapar ninguna parte de la fotografía y lo situamos dejando en la cara superior la copia en negativo. A continuación emitimos un flash de luz, igual que haría una ampliadora, que fijará en el papel limpio la imagen en negativo del negativo y será, por tanto y tras revelarlo, el positivo final. Es algo así como hacer una foto de una foto. Si se ha utilizado película de 35mm todo este proceso se realiza fácilmente con la ampliadora.

Un amplio recorrido por la historia de la fotografía estenopéica lo recoge este artículo. Sin duda sorprendente la antigüedad con la que cuenta la fotografía y lo desapercibida que pasa para la sociedad, que parece haberla descubierto hace apenas unos cuantos lustros. Así mismo, Gabriel Lacomba ha desarrollado un magnífico trabajo con sus cámaras estenopéicas, que podéis ver desde su web a modo de inspiración o, quizá, como el empujoncito que os falta para comenzar vuestra inmersión en este tipo de fotografía. Como dato curioso mencionaré que el último domingo de abril se celebra, desde el año 2001, el Día Mundial de la Fotografía Estenopéica, donde se realizan numerosas actividades en muy diversos puntos del planeta.

El proceso de fabricación de una cámara estenopéica es muy sencillo. No obstante, si se quieren conseguir los mejores resultados hay que matizar ciertos aspectos y tener en cuenta algunas consideraciones y cálculos tales como la distancia focal, el tamaño del material fotosensible, el diámetro del estenopo, etc. En una próxima publicación trataré de arrojar más luz a este proceso.
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La Ley anti-Photoshop en Estados Unidos

2011-10-20T12:00:00.000+02:00

La polémica por el uso del Photoshop últimamente está bastante candente, y ahora resulta que en Estados Unidos, un matrimonio, Seth y Eva Matlins, ha pedido una ley contra el programa para evitar que sus hijos crezcan rodeados de superficialidad y de la percepción de la realidad tan alejada que hay, ya que está causando problemas en los adolescentes.

En sus declaraciones comentan:

No podemos ignorar que nuestra cultura de la belleza tiene efectos tremendamente negativos sobre las niñas y las mujeres. Los problemas son reales, serios y duraderos, ocurren cuando no nos damos cuenta de que las imágenes y los ideales del cuerpo humano presentado en los medios de comunicación, está creando falsas expectativas y normas para la población femenina de nuestro país.

Por si esto fuera poco, después del revuelo con el último anuncio de Julia Roberts, del que ya os hablamos, un estudio de la fundación Dove Self-Esteem revela que el 80% de las mujeres se sienten inseguras con su imagen por culpa de la perfección de las estrellas femeninas y modelos en los medios de comunicación.

También hay hueco para las adolescentes, ya que el 71% de las niñas siente que su aspecto "no está a la altura, lo que provoca baja autoestima y otros problemas.

A este paso es posible que el Photoshop quede para uso de retoque fantástico y creación de imágenes irreales y volveríamos a la época en la que las caras eran más naturales o por el contrario habría que educar a la gente para evitar ser tan influenciables respecto a las marcas que nos quieren vender la eterna juventud.

Está claro que en determinados casos se abusa del retoque fotográfico, pero, ¿es necesario evitarlo o solamente limitarlo? ¿Qué opináis?

ROGER FENTON.

2011-10-13T12:00:00.001+02:00

En el seno de una familia acudalada de Lancashire es fácil decidir qué se quiere hacer en la vida y, por suerte, a Roger Fenton le dió por las artes. En 1840 salió del London University Colledge con una licenciatura en arte y desde entonces se acercó a todo aquel que pudiere servirle de conocimiento.

A principios de los años cincuenta comienza su proyección como fotógrafo con una intensa trayectoria. En uno de sus viajes a París -1850- aprendió la técnica del calotipo e inmediatamente comenzó a realizar sus primeras fotografías en Kiev, Moscú y San Petesburgo, que le valieron su fama en Londres y el reconocimiento de la Familia Real. Sólo unos años después, en 1853, fundó la Photographic Society of London, que pasaría a ser la Royal Photographic Society of Great Britain. Finalmente, en 1855, acudió a la Guerra de Crimea con motivo de documentar lo sucedido en su tierra natal.

En Crimea, dentro del conflicto, Roger Fenton se convirtió en el primer reportero fotográfico de guerra de la historia, pero la empresa no fue tarea fácil. Con un carromato cargado hasta los topes de material, placas de vidrio y papel encerado donde tomar las fotografías, productos químicos para la exposición y el revelado, espacios estancos donde realizar los procesos... Toda una odisea a la que no dejaban de sumarse los problemas. Las placas de cristal se rompían en los trayectos del carromato, los productos químicos se inflamaban por el calor y provocaban pequeños incendios y, para colmo, llegado el momento de realizar las fotografías, Fenton tiene que conformarse con retratar a las tropas en actitudes estáticas y posadas o paisajes antes y después de la batalla debido a los largos tiempos de exposición que aún requería la técnica fotográfica. A esto había que sumar la coercitiva financiación del Estado de Londres que impediría la difusión explícita de los horrores de una guerra que no terminaba de convencer a los londinenses. La autocensura de Fenton evitó esta criba y el reportaje regresó listo para triunfar.

¿Triunfar? Fenton presentó un trabajo de alrededor de 350 negativos de gran formato compuestos por retratos y paisajes, altos mandos ensalzados y soldados rasos en momentos de ocio. El primer reportaje de guerra parecía, en cierto modo, ajeno a ella pero, al mismo tiempo, era capaz de hacérsela ver a quien observaba las fotografías. Aún sin convertirse en un triunfo en ventas, pues la guerra ya había terminado cuando se presentaron las fotografías, resultó un éxito sin lugar a duda.

Algunas de las fotografías que Fenton hizo en la Guerra de Crimea, en The Library Congress.
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El peligro de las conferencias de fotografía

2011-10-06T12:00:00.000+02:00

Cuando uno decide acudir a alguna conferencia relacionada con la fotografía, es porque el tema le interesa y por tanto, espera aprender algo de los profesionales que hablan en ella.

El problema está que últimamente las conferencias y charlas se han convertido no sólo en un punto de encuentro entre aficionados o profesionales que quieren seguir aprendiendo y empapándose de las experiencias de los conferenciantes, sino que también han pasado a ser un lugar de quejas por parte de los que son invitadosd a hablar.

Ahora mismo todos nos encontramos en una situación difícil, no lo vamos a negar, pero para escuchar aspectos negativos, quejas y lo mal que está el mercado fotográfico, mejor quedarse en casa, ya que el efecto que se provoca en la audiencia es totalmente negativo, y lo mejor para salir del hoy es ir a por todas y ser positivo, no darle la razón a otra persona en lo mal que está todo.

Personalmente, cuando acudo a una charla o evento fotográfico, no quiero escuchar lloros por parte de profesionales que llevan años trabajando y que aunque ahora siguen trabajando y viviendo de lo que más les gusta, nos dicen a los demás que está todo fatal y que es muy complicado entrar.

Los que nos dedicamos a la fotografía siempre hemos sabido que este no era un mundo fácil y que habría competencia allá donde fueramos, ¿qué ahora la hay más? Pues es hora de ponerse a trabajar para conseguir destacar por encima de todos los demás. Quejándonos solamente perdemos el tiempo y acabamos desanimándonos.

Así que, si no queremos acabar pensando que nos tendríamos que dedicar a otra profesión y abandonar, o una de dos, o dejamos de acudir a conferencias o los profesionales piensan un poco la audiencia a la que se dirigen, porque seguramente a ellos tampoco les habría gustado escuchar quejas, dudas y problemas cuando decidieron dedicarse a la fotografía. Y sin embargo, ahí están.

FOTOGRAFÍA DE HOY VISTA POR LOS DE AYER.

2011-09-29T12:00:00.002+02:00

Hoy día ya no se podría hacer la fotografía de Cartier-Bresson ni la de Elliott Erwitt. Sería imposible. La gente defiende su imagen y todo cuesta dinero. Pero la gente vive mejor que en los cincuenta. Y si la gente vive mejor, eso es lo que cuenta. ¡A la fotografía que le den por saco!

Ramón Masats, sin duda uno de los mayores fotógrafos españoles, opina, pasado el tiempo, de lo que ha sido de la fotografía que él mismo hacía, aquella que le encumbró entre el 'documentalismo' y la 'artisticidad'.

Estas palabras en sí no son ninguna novedad para todos aquellos que se enfrentan al reportaje social -y no me refiero a BBC- y ~~sufren~~ viven capeando sus problemas. Pese a todo, creo que no hay motivo para ser pesimista. Que ya no se pueda hacer la fotografía 'callejera' como se hacía en los 60/70 no quiere decir que esta se acabe, sino que se modifica, que cambia, que se adapta a los tiempos. Antes la gente quizá era más confiada o le preocupaba menos la utilización de su imagen debido a la falta de medios y redes sociales. Ahora la sociedad vive parte de sus vidas en Internet, con lo que eso conlleva, y aplican una mayor preocupación sobre la imagen que ofrecen a los demás, aunque aún falta concienciación al respecto... Aunque también del valor de la fotografía y su uso, lo que podría hacer volver la actitud de la sociedad hacia los fotógrafos de la calle durante los 'buenos tiempos'.
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El fotógrafo hace fotos, no opina

2011-09-22T12:00:00.000+02:00

Nos encontramos con Larry Price, un fotoperiodista que ha ganado en dos ocasiones el Premio Pulitzer y que se ha pronunciado sobre la calidad periodística. Se ve que su opinión no ha gustado y le ha costado su puesto de trabajo. No directamente, ya que no ha sido despedido.

Price ha sido durante director de fotografía del Dayton Daily News, y de repente, dejó su trabajo. Curiosamente tres días antes al fotógrafo le pidieron despedir a la mitad de los fotógrafos del periódico, algo que no quiso hacer.

Lleva 35 años como reportero gráfico y según sus palabras:

He visto que esto sucede año tras año en los periódicos. He tenido muchos, muchos amigos que han sido afectados, muchos de los periodistas estelares. Estas personas son mi grupo. Ellos son mis amigos. Son mis colegas. Les he pedido tanto de ellos en los cuatro años que he estado aquí. Y cada vez, se han intensificado en la entrega. No era una decisión que podría hacer con la conciencia tranquila.

Por lo visto, en esos cuatro años Price ha visto cómo cambiaban las cosas en el departamento fotográfico. Hace dos años, el periódico animaba a Price y su equipo a abrir galerías online, y a pesar del poco tiempo que tenían, aceptaron para poder ofrecer fotografías al público. Pero cuando las ventas en papel no monetizaban estas galerías, las quitaron, aunque la gente las demandaba.

Poco a poco el fotógrafo vio cómo en el periódico le iban quitando importancia al departamento fotográfico, usando excusas como que algunas imágenes eran demasiado emocionales y ahí empezó a darse cuenta del problema que se le venía encima.

De todas formas Larry Price no está preocupado por su futuro, ya que como él mismo dice, está en el medio de su carrera, no comenzando, por lo que lo tiene más fácil para realizar otros trabajos o fotoreportajes, pero sí está preocupado por sus compañeros, que posiblemente acaben enfrentándose al desempleo.

Sea como fuere, Price ha tenido el valor de enfrentarse a una situación que no es rara de encontrarse en los medios impresos, para los que la fotografía ha perdido todo el valor. No sabemos si su acción de dimitir tendrá repercusión, posiblemente no, pero es un consuelo saber que por lo menos alguien ha alzado por una vez un poco la voz para llamar la atención.

CIPRIANO PASTRANO DELGADO Y LAS RATAS.

2011-09-15T12:00:00.005+02:00

Poca información hay en Internet de este fotógrafo español que ganó el '1st prize, Nature stories' de 'World Press Photo' en 1994, hace tan sólo 17 años (sí, 'tan sólo', que en aquella época ya había Internet y este no debió ser su último trabajo). El caso es que buscando y rebuscando no he encontrado más allá del WPP, que no es poca cosa, y que realizó gran parte de su trabajo como fotógrafo de ABC.

Volviendo con el galardón, la serie que llevó a Cipriano a conseguirlo se mueve entre dos mundos. Subjetivamente, son imágenes que suscitan sensaciones encontradas: la repulsión y el asco que provoca -por suerte no en todos los casos- el ambiente del que estos animales se rodean y que tanto nos esforzamos por separar de nosotros mismos, así como el miedo a las plagas, las pestes y la muerte que tanto propagaron por la Europa medieval. Por el contrario, objetivamente, no se trata más que de una especie que sobrevive adaptándose, en muchos casos, a las condiciones que nosotros la imponemos y no tiene mayor afán que ese, lo que no indica que puedan ser un problema debido a su cantidad y su tasa de reproducción, así como a la mencionada propagación de enfermedades.

Dejando al margen estos aspectos, las fotografías se retratan en alcantarillas, tuberías, basura o aguas residuales cuyos colores, siempre con un tono dominante y homogéneo propio de estos animales y asociado a entornos lúgubres y sucios, así como el ambiente oscuro, dan una idea no muy gentil de estos personajes. Una serie poco común con un significado concreto que ha logrado hacerse un hueco en uno de los más prestigiosos concursos de fotografía.

La serie completa, aquí...

Demandas a fotógrafos

2011-09-08T12:00:00.000+02:00

Jason Lee Parry ha sido demandado por unas fotografías de una sesión que realizó para la revista Qvest Magazine, para promoción de determinadas marcas de moda.

La modelo para la ocasión era una niña de 15 años cuyos padres acuden a la sesión y están presentes durante la duración de la misma. Pero se ve que después se arrepintieron porque han presentado una demanda contra el fotógrafo y las marcas comerciales por un valor de 28 millones de dólares.

Se basan en que no había autorización de la modelo ni propia para hacerle fotos a su hija, en que las poses eran sugerentes y provocativas para una chica de su edad, además de cierta ligereza en la ropa, y que se subió a una motocicleta sin casco y sostuvo una cerveza en la mano.

La cuestión es que el fotógrafo pensaba que estaba realizando unas pruebas y que la editorial ya tenía la autorización, y los padres creían que el uso no sería comercial. Además de que en este caso concreto, por las leyes de California, los detalles del casco y de la cerveza son considerados delitos allí.

Esto nos hace pensar en que hay que estar seguro de todo antes de realizar ningún tipo de sesión fotográfica y que hay que informarse, para dejar todo bien atado. Seguro que más de uno ha tenido problemas en las llamadas sesiones de intercambio, así que imaginaros cuando hay un uso comercial por medio.

Hay que tener cuidado y está claro que seamos aficionados o profesionales, no podemos descuidarnos nunca. Así que ya sabéis, sobre todo si estáis en Estados Unidos, que tienen unas leyes más estrictas, cuidado con el papeleo.

ELUCUBRAR ES DIVERTIDO.

2011-09-01T12:00:00.037+02:00

La fotografía está, cual gato panza arriba, o sea, indefensa, pendiente de gastar su última vida. A los hechos me remito. Y con los hechos quiero decir las grandes revoluciones fotográficas que, según pocos o muchos, se encumbraban como su final:

· En 1861 James Clerk Maxwell realizó la primera fotografía a color permanente tras perfeccionar su emulsión de tricomía. Los fotógrafos que consideraban su cometido un arte vieron en la novedad un obstáculo insalvable para la fotografía.

· En 1975 Kodak, que inició la comercialización masiva de la cámara fotográfica allá por 1888, desarrolló la que fue la primera cámara digital y tenía una resolución de diez píxeles. Parece poca resolución, ¿verdad?, pero los fotógrafos fílmicos no dudaron en vaticinar el fin de la fotografía.

· Fue en 1990 cuando la primera versión de Photoshop vio la luz. La edición digital avanzó a pasos agigantados. Photoshop iba a cambiar la fotografía para siempre.

· Ya a mediados de la década del 2000 la evolución tecnológica dio como resultado el abaratamiento de los componentes. la fotografía réflex estaba al alcance de la sociedad. Todo el mundo podía tener una cámara réflex de calidad a precios asequibles o, al menos, razonables. Los fotógrafos temen que el pastel tenga que repartirse en demasiados trozos.

· Finales de la década del 2000. Internet hace años que dejó de ser el pasado para ser el presente. La información llega a todo el mundo. Ahora no todos tienen una réflex sino que todos la saben utilizar. Suficiente para lanzarse a la aventura, ya sea haciendo fotos o dando cursos. Los 'profesionales' auguran el fin de su profesión.

· La sociedad que no vive de la fotografía pero la disfruta en su tiempo libre regala ese trabajo lo que reduce el presupuesto que destinan las editoriales y la industria audiovisual. Y no sólo eso sino que a títitulo particular la sociedad prefiere a ese-amigo-o-conocido-que-tiene-cámara. Modelos, actores, grupos de música y hasta los novios que deciden casarse toman otro rumbo. Es el último clavo del ataúd que enterrará definitivamente a la fotografía.

Últimamente se ha presentado Lytro, un nuevo concepto de cámara que cambiará el criterio de la fotografía ya que permite ajustar el punto de foco en el procesado -es decir, una vez tomada la fotografía-, 'hacer mejores fotografías con menos luz' y captar imágenes en 3D.

En estos momentos sólo puedo decir una cosa: ¡oh, Dios mío! ¡Tengo que cambiar de profesión!... O no, mejor no. Mejor dejo de tomarme en serio las histerias ajenas y me dedico a lo mío: la fotografía. Para los desarrolladores de Lytro todo es un jardín de rosas pero habrá que ver, entre otras muchas cosas, la calidad que es capaz de ofrecer y el precio que tiene esta tecnología para el consumidor final.

¿Será la séptima vida que pierda la fotografía? Yo creo que la respuesta es bastante obvia y, mientras tanto, ahí está el avance y la Historia del final de la fotografía, que dura ya 140 años, casi tanto como la propia fotografía.

La delgada línea entre el plagio y la inspiración

2011-08-25T12:00:00.000+02:00

Hace tiempo, cuando salió el videoclip de Rihanna de S&M, el fotógrafo David LaChapelle acusó a la cantante de plagio por la estética que había usado, similar a una serie de fotografías que había realizado.

Ahora, un tribunal federal ha fallado en favor del fotógrafo, lo que supone que puede ir a juicio contra la cantante. Él dice que Rihanna pidió a varios directores crear un vídeo tipo LaChapelle para la canción en cuestión y proporcionó un story board que incluía fotografías.

Os dejamos unas imágenes de muestra:

El tribunal señaló que las partes de Pink Room Scene y Striped Face de LaChapelle retrata a mujeres dominantes sobre hombres en una escena doméstica. Ese tema no puede ser protegido, porque según dijo el tribunal, los temas se desprenden naturalmente de la idea elegida de sadomasoquismo.

Sin embargo, la forma particular que el video de Rihanna retrató las escenas y la iluminación es sustancialmente similar a las imágenes de LaChapelle, aunque todos los detalles no eran idénticos.

También añadieron que ambas obras comparten el estado de ánimo frenético y surrealista de las mujeres dominantes en un espacio hipersaturado y claustrofóbico.

¿Hasta qué punto es inspiración? ¿Cómo se sabe cuándo se cruza esa línea y la del plagio? Hoy en día con la fotografía tan extendida no es raro ver tutoriales de cómo hacer efectos con nombre y apellidos, que si bien es cierto que nunca se consigue al 100% el efecto, nos da una aproximación.

Cuántos de nosotros no hemos visto fotos de gente que nos recuerdan a fotógrafos concretos. Siempre se suele decir que es el del estilo, pero no que es un plagio de la forma de trabajar o del procesado final. Al fin y al cabo, hay una delgada línea que separa ambos conceptos, y es complicado ponerse de acuerdo, por lo que para experimentar y encontrar nuestro propio camino no está mal, pero cuando lo que quieres es algo deliberado, al menos habría que tener la decencia de contactar con la musa.

LA SERIE DE BROOKE SHIELDS QUE LLEVÓ A LA QUIEBRA A GARRY GROSS.

2011-08-18T12:00:00.002+02:00

Garry Gross, un fotógrafo neoyorquino especializado en fotografía animal, especialmente en el retrato de perros. Una especialidad, ciertamente, poco común que adquirió tras la polémica que le llevó a los tribunales y que apunto estuvo de costarle su carrera.

Comenzó en la fotografía tras estudiar con maestros como Liset Model o Richard Avedon y comenzó a forjarse un reconocido prestigio dentro del sector comercial y publicitario. Sus fotografías ocuparon las portadas de prestigiosas publicaciones y en ellas eran representadas importantes figuras mediáticas.

En 1975 Garry comienza a desarrollar el proyecto The woman in the child, que pretende retratar la feminidad de las niñas. Para ello realiza una serie de fotografías a Brooke Shields, que por entonces contaba con tan sólo diez años, en las que aparece desnuda, maquillada, con el cuerpo de aceite... Cuenta con el consentimiento de su madre, que ya había contratado a Garry para realizar otros books de su hija que por aquel entonces se encontraba en la agencia Ford. Garry adquirió los derechos completos por la explotación de las imágenes y la familia percibió 450 dólares del socio y patrocinador de Garry en el proyecto, la publicación Playboy Press.

Posteriormente, las revistas Little Women y Sugar & Spice, de Playbloy Press, y Photo Magazine publicaron algunas imágenes y otras más fueron exhibidas a gran tamaño por Charles Jourdan. Pero en 1981 Brooke Shields trató de controlar el uso de las fotografías comprando los negativos sin resultado. Tras ello comenzó una batalla legal demandando a Garry por un millón de dólares como medio de conseguir que se retirasen las fotografías alegando que su madre únicamente había cedido los derechos para una sola publicación y que las fotos le causaban trastornos al resultar embarazosas para ella.

La primera medida tomada por el juez fue la prohibición del uso de las fotografías hasta la conclusión del juicio. Los abogados argumentaron a favor de la retirada definitiva la publicación de las fotos en medios de "dudosa moralidad" pero el juez finalmente dio la razón a Garry gracias a la validez del contrato que firmó la madre de Brooke y que era vinculante a su hija en aquel momento.

Brooke Shields decidió recurrir la sentencia y consiguió de nuevo paralizar momentáneamente el uso de las fotografías. La batalla legal dura dos años pero de nuevo se repite el dictamen final del juez, que otorga plenos derechos a Garry para la explotación de las imágenes. Pero Brooke no se dio por vencida y decidió atacar al fotógrafo demandándole por violar su intimidad y producirle molestias, angustia, bochorno y perjuicio de su imagen. La estrategia tampoco funcionó debido a que la carrera de la actriz había sido claramente dirigida para formar una imagen explícitamente sexual de si misma. En los tiempos en que las fotografías vieron la luz Brooke promocionaba la película Pretty Baby. La sentencia del juez, que dio la razón una vez más a Garry, indicaba que las fotografías no eran sexualmente sugerentes, provocadores o pornográficas ni implicaban promiscuidad sexual, sino que eran imágenes de una niña prepúber posando inocentemente mientras toma un baño.

Garry Gross había salido victorioso de todos los envites legales contra Brooke Shields pero el proceso había supuesto su bancarrota. El desembolso económico fue demasiado elevado, pero la historia no termina aquí. En 1992 el artista contemporáneo Richard Prince trató de comprarle a Garry los derechos sobre las fotografías de Brooke Shields y consiguió "versionar" e imprimir diez obras. Las re-fotografió, re-contextualizó y tituló de acuerdo a su trabajo artístico y en ese momento Garry trató de revocar los derechos que le había concedido. No lo consiguió y Prince elevó de tal forma su fama y su carrera a raíz de aquel trabajo que en 1991 su versión de la foto en la que Brooke Shields posaba en la bañera, que tituló Spiritual América, fue vendida en Christies por 151.000 dólares.

Finalmente, tras dedicarse a la fotografía de mascotas, Gross falleció en 2010.

Página oficial de Garry Gross, aquí...

Algunas de las fotografías tomadas por Garry Gross a Brooke Shields, aquí...

¿Demasiado Photoshop?

2011-08-11T12:00:00.000+02:00

Recientemente el Photoshop ha vuelto a estar en primera línea de fuego debido a la retirada en Inglaterra de un anuncio de maquillaje protagonizado por Julia Roberts.

Allí han decidido no publicar la publicidad de L'Oreal y Maybelline por considerar que la imagen de la actriz no es real y provoca una imagen de los cosméticos con unos resultados falsos. Lo que viene ser engañar al consumidor.

El anuncio en cuestión es el siguiente:

Es cierto que hoy en día el Photoshop es amado y odiado. Unos quieren llegar a dominar las técnicas y conseguir efectos de todo tipo, aunque sean falseados y otros reniegan de su uso precisamente por manipular la imagen original. ¿Pero cuándo es lícito intervenir en su uso? ¿Cuándo se considera excesivo?

"¿FOTOS? PERO, ¿PARA QUÉ?..."

2011-08-04T12:00:00.001+02:00

La fotografía se expande. Es una realidad. En los días en que nos movemos todo el mundo tiene cámara, tiene galería online y enseña sus fotos a cualquier persona que las quiera ver aunque se encuentre al otro extremo del mundo. La fotografía es algo extendido pero, incomprensiblemente, sigue siendo algo no entendido. La gente 'no quiere ser retratada'. La fotografía social del siglo XXI es una actividad de riesgo. Cuantas veces se ha dicho que los Cartier-Bresson, los Doisneau, los Elliot Erwit actuales pasarían demasiados problemas como para centrarse en lo que importa. Le gente conoce la fotografía e inexplicablemente la teme. Un fotógrafo en la calle es un terrorista; se sospecha y se huye de él. Sin embargo, una cámara de vídeo es una atracción, se la quiere, se la adora, se acercan a ella y se sienten afortunados de que se centre en ellos.

En una ocasión, fotografiando en una estación de tren, un miembro de seguridad me aseveró que tomar fotografías estaba prohibido y tenia que dejar de hacerlo. Ni siquiera se refirió al permiso que era necesario hasta hacía un par de meses y que ya se había derogado. Cuando hice mención a dicho permiso y su actual estado de nulidad por parte de la propia empresa gestora el vigilante contactó con su superior. La respuesta de este fue demoledora: "¿Qué cámara lleva? Si es una pequeña déjale".

Pasa el tiempo y tenemos como escenario un colegio electoral durante el transcurso de elecciones generales. En esta ocasión tuve que escuchar como un miembro de la mesa -que ni siquiera aparecería en la susodicha imagen- se oponía a que tomara fotografías a un votante que previamente me había dado su consentimiento. Su alegato fue demoledor: "¿Para uso personal? Eso es mentira. Eso no lo hace nadie porque no vale para nada".

Nos lo encontramos de nuevo cuando comenté a una persona que era fotógrafo y me interesaba por su aspecto la posibilidad de hacerle un par de fotos. Se extrañó, me preguntó el motivo y le confirmé que las quería simplemente para mi galería. Insistió en su extrañeza y yo insistí en mi respuesta una vez más hasta que, ya a la tercera: "-¿Fotos? Pero, ¿para qué? -Es igual, déjalo".

La gente teme de forma indiscriminada y aleatoria. No tienen problemas en difundir públicamente sus datos personales en redes sociales y desconfían de quien les ofrece seguridad respecto al uso de su imagen. Entiendo que la gente sea recelosa y que quieran preservar su intimidad o conocer el uso que se hará de su imagen, incluso aleatoriamente, ya que es algo personal, pero quizá lo que suceda es que la fotografía está siendo aceptada y extendida en su uso y no en su significado. Desconocen dónde acabará esa imagen en la que aparecen o para qué se utilizará. La gente no teme a las cámaras de vídeo porque la televisión forma parte de sus vidas pero la fotografía no. La aceptación de la fotografía y de su valor dentro de la sociedad es imprescindible para que en España tengamos una cultura de la imagen sana y de calidad más allá del populismo insípido y sensacionalista de la caja tonta.